余静萍

Ching Ping Yu
有片源
2025年
7天
7天

摄影/

导演：邱玉洁/
主演：蒋奇明/张艺凡/
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剧情：陈丑时（蒋奇明 饰）因为巧合在牙科诊所邂逅女孩温倩（张艺凡 饰），两人开始了一段奇妙的爱情，而当感情进一步发展时，陈丑时向温倩坦诚了一个关于自己的秘密，他从小就能在女孩头顶看到一串数字，那是他们之间的恋爱时长，而他和温倩只有七天……
2024年
导赏：电影《彷徨之刃》是东野圭吾同名小说的中国版影视化呈现，导演陈卓在尊重原著的同时，融入了本土文化元素与中国的社会现实，尤其是对于未成年人犯罪的表现，是根据导演在未成年犯管教所调研的情况进行改编的，这增加了这部影片的共鸣力，也回应了公众对于未成年人犯罪惩治问题的关切与焦虑。影片中李长峰的复仇之路是一条充满挣扎与抉择的艰难旅程。李长峰的复仇逻辑，并非简单的以暴制暴，而是建立在一个清晰而坚定的原则之上——不伤及无辜，严惩有罪。这一原则是复仇者内心的道德底线，也构成了影片探讨复仇正义性的基础，同时提升了观众对复仇者复仇的认同度。李长峰在复仇过程中含有许多道德挣扎与自我控制，如在出租屋的紧张场景中，面对警察的询问和潜在的威胁，李长峰没有选择暴力控制房东，而是用哀求的眼神表达了自己的无奈与无助。影片中多次铺陈的父女情感段落是影片情感脉络中的重要一环。这些场景能够让观众充分感受到父女之间深厚的情感纽带，也为李长峰的复仇行为提供了坚实的道义支撑。正是这份深沉的父爱，让李长峰的复仇不再是盲目的暴力宣泄，而是一种基于爱与正义的抗争，并且在道德的天平上保持平衡。导演陈卓在创作中明确表达了社会责任感作为电影创作的初心与意义。《彷徨之刃》踏入了道德的灰色地带，挑战观众对于正义与邪恶的二元对立思维。影片中的每一个人物，无论是复仇者李长峰，还是受害者家庭、警方乃至社会大众，都展现出了人性的多面性与复杂性。他们或出于爱，或出于恨，或出于责任，或出于逃避，各自在道德的迷宫中徘徊、抉择。这种对人性的深刻剖析，使得影片在复仇故事之外对人性进行了全面的审视。（编辑：婧怡）
2023年
导赏：《燃冬》突破了传统爱情片聚焦单一情感关系的窠臼，转向了对年轻群体精神状态的描摹，从个体的一方困境走向集体更广阔的世界。故事围绕着从上海来参加婚礼的浩丰（刘昊然饰）、年轻导游娜娜（周冬雨饰）以及厨师韩萧（屈楚萧饰）三个异乡人的关系展开。娜娜与韩萧相识相知已久，却始终没有突破友谊的面纱，浩丰的偶然闯入，令他们的关系悄然发生了变化。在心动、试探与矛盾间，三人深埋于心的秘密也逐渐显现……故事是冷冽的，情感却是炙热的。一系列看似随意却又充满隐喻的场景，如嚼冰块、溜冰、长白山看天池等，试图展现三个年轻人内心深处的孤独与渴望。周冬雨饰演的娜娜在延吉做导游，表面看起来洒脱不羁，但其实经历过挫折迷茫的时刻，“我借助她的眼睛看到了更宽阔的世界，感受到这个角色在治愈我”；而刘昊然饰演的浩丰更接近当下年轻群体的缩影，只有努力往上走才是唯一的出路，压力负荷下的他在延吉终于得以释放内心的情绪；屈楚萧饰演的韩萧在一成不变的生活中感到迷茫，想彻底“躺平”却又不甘于此。相较于导演陈哲艺前作《爸妈不在家》、《热带雨》的成熟与老道，本片更年轻化。并且脱离了熟悉的东南亚创作语境的他，就地取材，找到了特别有味道的东北边境小城延吉。陈哲艺运用了大量的长镜头和空镜头，营造出一种静谧而压抑的氛围，让观众能够深入感受到角色的孤独与迷茫。《燃冬》不仅仅是一部简单的爱情片，更是一部深刻探讨存在主义危机的作品。它让我们在观影的过程中不断思考自我、思考生命、思考存在的意义，用反套路的方式讲述三位年轻人如何在很短的时间内培养出一段深刻而又默契的感情，传递出了导演对当下年轻群体情感上的观察和表达。正如导演所说：“它很特别，我希望它是我写给90后年轻人的一封情书”、“适合90后疗愈的一部电影”。（编辑：明慧）
2022年
导赏：《沙漏》的故事围绕莫醒醒和米砂两个女生展开。醒醒是一个患有交替性暴食厌食症患者的女孩，她的性格中充满了敏感、脆弱与坚韧。幼年时，她因母亲为救一个男孩而牺牲，从此背负上了“英雄的女儿”的称号，这给她带来了巨大的心理压力。她渴望得到爱、亲人和生活的信任，但原生家庭的不幸和校园霸凌使她倍感孤独和无助。每当精神受到刺激，她就会发病，在众人背后吃下惊人数量的食物，这是她内心痛苦和挣扎的一种表现。然而，尽管生活给予她诸多磨难，她依然保持着对美好生活的向往和追求，这种坚韧不拔的精神让人深感敬佩。邱天的表演则这一角色注入了鲜活的生命力，不仅让观众看到了莫醒醒这一角色的复杂性，更让观众感受到了她内心的情感波动和成长历程。幸运的是，莫醒醒遇到了“小太阳”米砂和温暖学长路理，如果说醒醒像月亮，那么米砂就是点亮她的阳光，是一个美好到极致的女孩，她无时无刻不温暖着醒醒和路理，但在阳光温暖的背后，她也有对于青春的困惑，也曾经受着原生家庭的伤痛，尽管如此，米砂依旧选择去热爱这个世界。片中米砂对醒醒说的“我觉得不光衣服可以缝补，关系可以缝补，人生也是。我以前总觉得，妈妈不在，总感觉好像缺了什么。但自从你出现之后，你好像把缺的那块给补上了。”以及片尾醒醒说的“我们缝补过彼此的人生”，这两句话深刻地体现了影片的主题——友情的力量以及人与人之间的连接与救赎。而电影的题眼“沙漏”指的不仅是一个简单的计时工具，更是对时间、记忆、情感以及人生哲理的深刻隐喻。它象征着时间的流逝与永恒、生命的脆弱与坚韧、情感的纯真与珍贵。通过沙漏的翻转和流逝，我们可以感受到时间的无情与宝贵，也可以看到人与人之间的联系和情感的复杂与深厚。此外，“沙漏”还暗示了一种循环和重生的力量。“九十九秒的时间，沙漏可以重启，我们将面对我们一百分的人生。” 每一次沙漏的翻转，都像是一次新的开始，提醒我们要珍惜当下，同时也要对未来充满期待和希望。即使面对困难和挑战，我们也要勇敢地面对和克服，因为每一次的“重启”都可能是我们人生中的一次重要转折点。（编辑：明慧）
导赏：《妈妈！》是导演杨荔钠继《春梦》、《春潮》之后自编自导的“女性三部曲”中的第三部影片，用细腻的女性视角，展现爱与亲情在生命尽头绽放出的无限力量。该片作为一部现实题材影片，延续了导演杨荔钠此前作品中的女性视角，将一对退休大学教授母女的晚年生活作为故事切入点，不仅刻画了鲜活而立体的两位老年女性形象，弥补了国内银幕上这类女性角色的空缺，更对老年人群的生活现状及阿尔茨海默病家庭的境遇进行了深刻关照。这是国内首部正视阿尔茨海默病的影片。在中国目前拥有最多阿尔茨海默病患者的社会背景下，影片颇具现实意义。而相比同类阿尔茨海默题材影片，独一无二的老年母女设定则在国内甚至世界银幕上均难得一见、不可复制。同时，《妈妈！》也不同于许多阿尔茨海默病题材电影，影片聚焦一对老年母女的晚年命运：当65岁的女儿患上阿尔茨海默病，主动承担照护责任的是85岁瘦骨嶙峋的妈妈，不仅戏剧张力十足，更是拓宽国内银幕中老年女性形象的边界。导演杨荔钠将节奏感把握得很好，丰富的细节令这部片子没有被诗意淹没。片中有关水的意象是值得讨论的，它冲刷生命重累，成为一种暗流的呼应。女儿躺在湖中的船上，撒完稿纸的俯拍画面极美，奚美娟贴合了破壳而出的平静。影片的最后追求了华彩的效果。母亲推着轮椅上的女儿，从海边疗养院来到被激浪拍打的海滩，生命的舞动和明朗的天地色彩，宛如爱的潮水汹涌，生命彻底得到解脱。影片以独特的女性视角切入，刻画了不同代际女性之间的相互扶持与救赎。导演杨荔钠则表示：“妈妈的爱如同大海般壮阔深沉。回归大海，也是回归到生命的广阔无垠。”在影片最后，杨荔钠用开放式结局向所有观众抛去一道最为核心的思考题：我们终将老去，我们该如何老去？我们该如何与世界道别？《妈妈！》是一部令人惊喜和惊讶的作品，在故事中，我们将寻找到属于自己的答案！（编辑：赵敏）
2021年
导赏：导演们用充满诗意和浪漫的中国式表达展开父辈奋斗的“画卷”，不同历史时期的闪现共同讲述了各个阶层群体为祖国利益不忘初心、砥砺前行的奋斗历程。
2020年
导赏：电影《夺冠》讲述的是中国女排几十年波澜壮阔的命运起伏，以中国女排近40年的发展历程为主线，讲述了其在历史上的“高光”时刻、“灰暗”时刻和“高光复现”时刻，强调了“女排精神”传统。作为一部新主流影片，一方面为了削弱影片的教导性，另一方面又为了提高影片的娱乐性与观赏性，导演陈可辛和编剧张冀做出了类型化的尝试，在故事结构上进行简化，仅用两个人物、三场比赛来展现改革开放的时代，展现一支三代人的球队，同时上世纪80年代和2016年的两场比赛又形成对照结构，这样的设计不仅利于展现时代变迁下人物与环境的变化，也有利于通过对比制造戏剧冲突，抓取观众真正想要看的看点，通过这样的设计，爱国情绪从银幕内传向银幕外，形成了内外联动，而这是一种自然而然的情感流露。电影《夺冠》在宏观视角下融入了微观视角，即在集体主义之中展现了个人主义，通过郎平这一人物几十年的贯穿，展现个人在面对大局之下寻求自我转变与自我认同的挣扎与超越，这样的转变与认同不仅体现在后期队伍的结构模式、训练模式的调整上，也体现在运动员个体的培养与选择上，例如郎平在影片中告诉朱婷要成为自己，要尊重自己，这一切都是“我们的内心强大了，我们就不会把赢当做比赛唯一的价值”的体现，自我的强大远胜于输赢，这也是一种新的女排精神的彰显。巩俐的参演更是增加了影片的热度，也吸引更多的观众走进影院，通过她对郎平教练人物心境的体会，神态、语气和动作的抓捕，使得人物的出场带给观众的第一印象是传神，甚至获得了观众“连背影都会演戏”的认可，这样细腻而又动人的演绎宛若呈现了一个真实的郎平。女排队员们的表演也是影片的一大亮点，非职业演员的她们为了呈现最佳的表演效果而与自己较劲，这样的精益求精和倔劲儿是值得肯定的，正是因为有了这样的演员组合，才呈现出不一样的夺冠风貌。在中国电影史上也有聚焦于描写中国女排的影片，如《女篮5号》《沙鸥》等，这些影片既追求故事性的表达，也追求艺术性的呈现，强调的是国家层面的集体荣誉，而《夺冠》的创新在于融入了人文理念，在展现国家动态景观和价值观的同时，也着墨于运动员的个体生命经验，陈可辛导演多年的双城创作使得体育题材影片焕发出不一样的生机，丰富了体育题材创作经验。（编辑：张苏慧）
2019年
导赏：这不仅仅是一部青春片，它更是一部触动人心、深刻反映社会现实的影片。改编自玖月晞的小说《少年的你，如此美丽》，通过细腻而真实的叙事，让我们看到了青春期的困惑、挣扎，以及面对困境时那份不屈的勇气与坚韧。影片以高考前夕的校园为背景，讲述了两位少年陈念和小北的故事。压抑的小镇和糟糕的家庭环境以及残酷的校园暴力使陈念的生活陷入了黑暗。此时，小北的出现成为了她生命中的救赎之光。他用自己的方式保护陈念免受校园暴力的伤害，让她感受到了久违的温暖和安全。两人之间的情感逐渐升温，成为了彼此生命中不可或缺的一部分。影片的深刻之处在于它不仅仅展现了青春期的甜蜜与阵痛，更深入地探讨了校园暴力、家庭环境以及社会现实对青少年成长的影响。然而，影片并没有停留在对现实的批判和揭露上，它更通过陈念和小北的故事传递了一种积极向上的信息。面对困境时，他们并没有选择逃避或放弃，而是勇敢地面对并寻求解决之道，更加坚定地追求自己的未来。他们的勇气和坚韧让我们看到了青春的爱、力量和希望。周冬雨和易烊千玺的精湛演技让角色更加立体和真实。周冬雨将陈念内心的无助和脆弱展现得淋漓尽致，因而她最后选择坚定自强时更让人钦佩、感动。易烊千玺则通过小北这个角色展现了自己的演技爆发力，他将小北的复杂情感和心理变化演绎得十分到位，在痛苦和挣扎之间不时流露着细腻的温柔。《少年的你》导演曾国祥、监制许月珍、编剧林咏琛、李媛、许伊萌，摄影指导余静萍、造型指导吴里璐、声音指导黄铮等是《七月与安生》的原班的人马，主创们力图还原最真实的青春本色。曾国祥与许月珍相识多年，都致力于挖掘电影里更深刻的情感和主题，呈现出更大的格局和群像感，不只是呈现青春，更希望去讨论青春在社会扮演了一个什么样的角色。“《少年的你》让观众透过剧中角色的视点，真切体会到一个处于社会和校园边缘灰色地带的亚文化群体面对青春、成长和未来时的彷徨、无助和焦虑。虽然大多数观众不一定有过相似的人生经历，但通过“认同”与这个群体联结互动起来，在观影过程中不断勾连自我的成长体验，从而找寻出各自生命的意义。”因而在青春的时光中加入了现实主义的严肃与质感，尝试找到更多打开现实主义与商业市场之间大门的钥匙。（编辑：路明慧）
2017年
导赏：《喜欢·你》作为一部融合了浪漫、喜剧与美食元素的影片，以其无与伦比的剪辑流畅度与轻松愉悦的故事脉络，成功构建了一段跨越年龄界限的甜蜜恋曲，特别是大叔与萝莉这对非传统CP的萌态反差，几乎每隔五分钟便能引发观众席上此起彼伏的欢笑，仿佛是为都市快节奏生活中的一抹亮色，温柔地击中了每个人心中最柔软的角落。导演巧妙地在这部电影中融入了个人独特的艺术风格与情感配方，清新脱俗的色调为整个故事铺垫了一层梦幻而浪漫的氛围。那些令人垂涎欲滴的美食镜头，通过快速而精准的剪辑手法，不仅展现了食物烹饪的精细过程，更将味蕾的享受与情感的升温巧妙融合，从精致的法式大餐到地道的中国小吃，让观众在视觉味觉的通感盛宴中沉醉。本片的成功离不开两位主演的精彩演绎。金城武饰演的霸道总裁路晋，不仅外表英俊潇洒，而且性格鲜明、魅力四射。他对食物的挑剔程度令人咋舌，但正是这种极端的个性让他在遇到周冬雨饰演的顾胜男时产生了强烈的化学反应。金城武将路晋这个角色演绎得既高冷又接地气，既有霸道总裁的威严与霸气，又不失温柔与细腻。而周冬雨饰演的顾胜男则是一个充满活力与个性的创意厨师。她古灵精怪、神经大条，经常做出一些令人啼笑皆非的事情。周冬雨凭借其独特的个人表演风格和镜头前的灵气，将顾胜男这个角色塑造得栩栩如生、深入人心。她与金城武之间的对手戏火花四溅、默契十足，让人在欢笑中感受到了爱情的甜蜜与美好。导演对于情节节奏的把控堪称精妙，整部影片没有冗长的铺垫，也没有无谓的拖沓，带领观众一同经历了一场关于爱与美食的浪漫冒险。柔光下的近景特写，不仅捕捉了角色细腻微妙的表情变化，更放大了他们之间每一个眼神交汇、每一次不经意触碰的微妙情感，让这份爱情显得既真实又动人。片中穿插的漫画式场景，则以一种轻松诙谐的方式，打破了现实与幻想的界限，为这段恋情增添了几分童真与趣味，让观众在会心一笑中感受到爱情的纯真与美好。（编辑：明慧）
2016年
导赏：《七月与安生》是香港青年导演曾国祥首部独立执导的内地影片，展现了其敏锐的洞察力和细腻的情感表达，赋予了本片独特的艺术魅力。他巧妙地保留了原作的女性视角，通过精彩的情节铺陈、丰满立体的人物塑造和多重反转结局的设计，不仅增加了故事的悬念和深度，也让观众在观影过程中不断思考女性成长中的精神蜕变。周冬雨和马思纯在片中的表现堪称惊艳，是本片的一大亮点。她们分别饰演的安生和七月性格迥异却快意鲜活。周冬雨将安生的叛逆不羁、自由勇敢与敏感脆弱演绎得淋漓尽致，尤其是她与家明初见时的略带痞气的台词和独自踏上流浪旅途时眼神中的坚毅。而马思纯饰演的七月则更具挑战，她不仅要展现角色的温良柔和，还要表现出长期隐忍中复杂而微妙的心理活动，乃至最终的情绪喷薄而出，独具感染力。《七月与安生》在影像表现上也下足了功夫，镜头运用细腻而富有隐喻色彩。影片中小景别如特写镜头的运用，不仅放大瞬间的情绪感染力，而且使观众得以窥见主角的内心世界。如在家明家中浴室之内七月与安生的对峙，女人之间的感情纠葛与心理角逐在特写镜头前一览无遗。而七月与安生平躺在床上的俯拍镜头暗示着两人当下的平等态势，火车即将开走时的拉镜头不仅表现空间上的距离感，也暗示了七月与安生当下内心所产生的隔阂与疏离。影片中多次出现多个耐人寻味的审美意象，如浴室和胸衣意象凸显电影欲望化叙事的特点；灯塔意象则是女性精神世界的向往与抉择。同时，象征手法增强了主题的表达力。安生和七月的名字本身就具有象征意义，正如电影海报展示的那样，她们最终“互换人生”的情节框架也象征着女性成长中的身份认同危机与探索。影片不仅是一首关于青春和成长的序曲，让人们在感动于安生与七月真挚的感情之外，也对生命的脆弱、自我的认同有了更为深刻的思考。（编辑：刘若能）