艾米·科恩

Amiée Conn
2016年
导赏：达米恩·查泽雷执导的《爱乐之城》不仅是一部关于爱情与梦想的现代寓言，更是一场视觉与听觉的感官盛宴。这部横扫奥斯卡的歌舞片构建了一个既梦幻又真实的艺术世界。《爱乐之城》的色彩运用绝非随意电影中大量使用高饱和度的对比色搭配，创造出强烈的视觉冲击力和情感张力，这种色彩策略不仅服务于美学需求，更成为叙事与角色塑造的延伸影片中最令人难忘的色彩时刻莫过于米娅(艾玛·斯通饰)那袭柠檬黄连衣裙与粉蓝色晚霞的经典搭配。这一场景中，明艳的黄色在虚化的蓝色背景衬托下成为绝对视觉焦点，象征着女主角在灰暗现实中依然闪耀的梦想光芒。这种黄蓝对比不仅构成美学上的和谐，更暗喻着理想(黄)与现实(蓝)的永恒张力。类似的色彩哲学贯穿全片：米娅试镜失败后走出的红色墙壁走廊与她忧郁的蓝色裙子形成冷暖对比，暗示她内心的冲突；男女主角在天文台共舞时，深蓝夜空与金色星光的搭配则营造出超现实的浪漫氛围。电影中的色彩布局也并非现代时尚的随意选择，而是对好莱坞黄金时代歌舞片的精准复刻。从服装到场景，鲜亮配色——如红蓝撞色、红黄暖调对比、冷暖色调并置——实际上是对《雨中曲》《一个美国人在巴黎》等经典歌舞片色彩美学的现代诠释。这种复古色彩策略使影片虽然设定在当代洛杉矶，却散发着浓郁的怀旧气息，模糊了时代界限，创造出独特的视觉风格。如果说色彩是《爱乐之城》的视觉灵魂，那么其中的爵士乐无疑是其听觉与精神内核。影片不仅以爵士乐作为背景音乐，更将其提升为叙事主体，通过音乐探讨艺术传统与创新的辩证关系。男主角塞巴斯蒂安(瑞恩·高斯林饰)对传统爵士乐的执着近乎宗教狂热。塞巴斯蒂安初次登场时在酒吧演奏的钢琴独奏，以及他带米娅参观灯塔咖啡屋时对爵士乐历史的激情讲解，都展现了他作为\"爵士乐原教旨主义者\"的形象。然而影片并未停留于对传统的简单歌颂，而是通过黑人音乐家凯斯(约翰·传奇饰)的角色提出了尖锐质疑：\"正是因为你这样的人存在，爵士乐才要死了，没有创新融合，拿什么让爵士乐继续焕发生机？\"这一质问不仅指向爵士乐本身，也隐喻着好莱坞歌舞片类型面临的困境。塞巴斯蒂安最终加入凯斯的现代乐队巡演。这一音乐风格转变也对应着人物关系的转折点——当他远离纯粹爵士梦想时，与米娅的爱情也开始出现裂痕。《爱乐之城》最引人入胜的艺术成就之一，是其对好莱坞黄金时代歌舞片复古风格的精心重构与现代诠释。导演查泽雷并非简单模仿经典，而是通过当代视角重新想象和激活这一\"过时\"类型片的潜在能量。影片开场便是一个令人屏息的长镜头，在洛杉矶拥堵的高速公路上，各色人种突然跳出汽车，在车顶载歌载舞表演《AnotherDayofSun》。这一场景无论从编排难度还是美学风格上，都直接致敬了60年代经典《西区故事》中街头青年跳舞的段落。类似的复古元素贯穿全片：塞巴斯蒂安抓着路灯杆独唱的场景复刻《雨中曲》中金·凯利的经典动作；半山腰上的黄裙西装对唱则呼应《一个美国人在巴黎》的浪漫情调；而米娅与室友们公寓内的歌舞场面则让人想起《1933年淘金女郎》等早期歌舞片的女性群戏。使用宽银幕格式增强舞台感；服装设计上借鉴50年代廓形与现代高饱和度色彩的融合；甚至汽车和家居摆设都刻意模糊时代感，创造出既复古又现代的独特视觉语言。这种美学策略使《爱乐之城》虽然讲述当代故事，却散发着老电影的魔力，恰如其英文片名\"LaLaLand\"的双重含义——既是洛杉矶的别称，也指代一种梦幻的精神状态。《爱乐之城》通过色彩、爵士乐与复古风格三位一体的艺术建构，完成了一次对好莱坞歌舞片传统的创造性转化。当米娅与塞巴斯蒂安在结尾相视一笑时，他们所告别的不仅是彼此的爱情，更是那个共享的艺术梦想与美学理想。（编辑：林佳欣）
2009年
2008年
剧情：　　本片根据真实事件改编而成。1976年英国酒商史蒂文·斯拜瑞尔在巴黎组织了一次品酒会。史蒂文专卖法国酒，他举办这场比赛的原意是想借美国两百周年国庆日造势，彰显法国酒的优势，以赢得更多的对法国酒的关注。没想比赛结果令人大跌眼镜。来自美国加州的葡萄酒打败了历来被人们所膜拜的法国酒，改变了只有法国酒才是品质象征，而加州酒只是“廉价可乐”的定论。这场品酒会具有革命性的影响，酒标上标明的国家或产区对消费者的魔力终于被打破，“开盖定论”，酒瓶子里装的什么货才是最重要的评判标准。
2005年